Originalmente en abcd
22(48)20080208.jpgEn el Manifiesto Pau, de Oswald de Andrade, hay tanto una valorización del elemento primitivo cuanto el esbozo de la propuesta antropofágica, entendida como estrategia de asimilación de virtudes del enemigo extranjero para fundirlas con lo nacional. Frente al paradigma maquínico decisivo en la vanguardista europea surge una apelación al banquete caníbal, aquella mítica guerra trival que, desde el informe de Hans Staden en el siglo XVI, asombrara a los «civilizados» occidentales. El mismo De Andrade, conocedor de la influencia del arte africano y polinesio en la estética de Picasso, señalaría en su célebre Manifiesto antropófago (1928): «Sólo me interesa lo que no es mío. Ley del hombre. Ley del antropófago». La asunción del barbarismo y la carnavalización de los valores en De Andrade tiene en la pintura de Tarsila do Amaral el sentido de una conceptualización de la identidad cultural en relación con la angustia de las influencias marcada con respecto a las vanguardias europeas.
En el Manifiesto Pau, de Oswald de Andrade, hay tanto una valorización del elemento primitivo cuanto el esbozo de la propuesta antropofágica, entendida como estrategia de asimilación de virtudes del enemigo extranjero para fundirlas con lo nacional. Frente al paradigma maquínico decisivo en la vanguardista europea surge una apelación al banquete caníbal, aquella mítica guerra trival que, desde el informe de Hans Staden en el siglo XVI, asombrara a los «civilizados» occidentales. El mismo De Andrade, conocedor de la influencia del arte africano y polinesio en la estética de Picasso, señalaría en su célebre Manifiesto antropófago (1928): «Sólo me interesa lo que no es mío. Ley del hombre. Ley del antropófago». La asunción del barbarismo y la carnavalización de los valores en De Andrade tiene en la pintura de Tarsila do Amaral el sentido de una conceptualización de la identidad cultural en relación con la angustia de las influencias marcada con respecto a las vanguardias europeas.
Tiempo de espera. Como señala Ivo Mesquida, si bien el grupo organizado alrededor de la Semana del Arte Moderna de 1922 inauguró el debate de la modernidad en literatura, música, arquitectura y artes plásticas, hubo que esperar hasta la década de los cincuenta para que este movimiento atrajera la atención de la sociedad brasileña. Las conferencias de Sergio Camargo a finales de los cuarenta, el influjo de los concretos argentinos, y la exposición de 1950, en el Museo de Arte de Sâo Paulo, de Max Bill, premiado un año después en la Bienal, crearon el clima estético para el desarrollo enérgico del concretismo brasileño que se articuló en dos importantes núcleos: el formado por el Grupo Ruptura (constituido en 1952, en Sâo Paulo, en el que estaban Geraldo de Barros, Lothar Charoux, Luiz Sacilotto, Kazmer Féjer, Leopoldo Haar y Anatol Wladislaw), y el Grupo Frente (surgido en Río, en 1953, con Ivan Serpa, Aluísio Carvâo, Lygia Clark, Lygia Pape, Décio Vieira y Abraham Palatnik). En las últimas líneas de la proclama del Grupo Ruptura, Waldemar Cordeiro señala que hay que conferir al arte un lugar definido en el cuadro del trabajo espiritual contemporáneo, considerándolo como un medio de conocimiento deducible de conceptos, «situado encima de la opinión, exigiendo para su juicio conocimiento previo».
En la distancia. Si bien el concretismo defiende la objetividad absoluta, conviene tener presente, como apuntara Mário Predrosa, que los artistas del grupo de Río se distancian completamente del ridículo principio parnasiano del arte por el arte. En el plano-piloto para la poesía concreta, escrito por Décio Pignatari, Augusto de Campos y Haroldo de Campos, se señala que aquella supone el final del ciclo histórico del verso como unidad rítmico-formal y la apertura de un nuevo espacio gráfico, una tensión de la palabras-cosas emplazadas en el tiempo que tiene que ver con precursores como Mallarmé, Pound, Joyce, Cummings, Apollinaire, el futurismo, el dadaísmo y, por supuesto, Oswald de Andrade y Joâo Cabral de Melo Neto; como referencias para las artes plásticas mencionan la serie Boogie-Woogie de Mondrian y los planteamientos abstractos de Max Bill y Albers.
Si bien los Bichos de Lygia Clark, las estruturas-cor de Oiticica o ciertas obras de Aluísio Carvâo tienen mucho ver que con los contrarrelieves de Tatlin o los cuadros suprematistas de Malévich, se aprecia en ellas una cierta disidencia con respecto a la ortodoxia concretista. Estos artistas, influidos por la fenomenología de Merleau-Ponty y la filosofía de Suzanne Langer, quieren reintroducir al sujeto en el orden racional del arte concreto, reclamando la participación del Otro. El neoconcretismo sería, según Ferreira Gullar, un redescubrimiento del mundo. Por otra parte, Mário Pedrosa llegó a referirse al neoconcretismo como la prehistoria del arte brasileño, no porque fuese el primer movimiento, sino porque buscaba los orígenes, los fundamentos. A finales de los cincuenta se tenía la conciencia de que el arte concreto había llegado a una peligrosa exacerbación racionalista.
Si Oticica considera el tiempo como un elemento activo, gracias al que se percibe el sentido simbólico de la relación entre el interior del hombre y el mundo, Lygia Clark advierte que los artistas neoconcretos rehúsan la duración como medio de expresión para proponer en su lugar el acto como un campo de experiencia, tratando de devolver al hombre su propia integridad. El no-objeto, con toda su imprecisión, funciona como una suerte de cuerpo transparente, una pura apariencia que no necesita, como la obra de arte tradicional, ni del marco ni del pedestal. «El fondo sobre el que se percibe el no-objeto -apuntaba Ferreira Gullar- no es el fondo metafórico de la expresión abstracta, sino el espacio real, el mundo». Para el poeta neoconcreto, las palabras, las formas, los colores y los movimientos propician una interpenetración de los sentidos; el no-objeto está esperando el gesto humano que lo actualice. En este proceso, la obra casi desaparece.
Goce inteligente. Desde la «favelización» de Oiticica al arte-terapeútico de Lygia Clark, de la crudeza de Arthur Barrio a las inserciones conceptuales de Cildo Meireles, arranca una contemporaneidad estética brasileña en la que el cuerpo y la geometría han dialogado con una desenvoltura extraordinaria. Pienso en artistas de una elegancia enorme como W. Caldas o E. Neto, en las visceras «coloniales» de Adriana Varejao, en la honda indagación fotográfica de R. Rennó o en la astucia efectista de Muniz. En este país que tiene la proporción de un continente se ha desarrollado un panorama artístico de la máxima intensidad. Ahora que la Bienal de Sâo Paulo ofrece un vacío que tiene que ser llenado, conviene revisar una escena creativa en la que encontramos talento por doquier. El menú post-antropofágico es abundante: fotos de Cravo Neto, pinturas suntuosas de Beatriz Milhazes, espacios domésticos desmantelados por Jose Bechara, intervenciones radicales de Marcelo Cidade... Una carnavalización en la que la inteligencia más refinada no excluye el gozo excesivo.
Wednesday, February 13, 2008
Monday, May 14, 2007
La Era Express del Software Comercial
Autor/-a: Juan Pablo Torres Herrera
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Juan Pablo Torres Herrera
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Datos a partir del 03.03.2004. Artículo en el OCS desde el 17/03/2007
Desde hace algunos años se ha visto una tendencia en el mercado del Software Comercial relacionado con la liberación de productos “Express”, y esto abarca a los corporativos Microsoft, Sun e IBM, esta conducta se basa en algunos de los siguientes eventos:
- Liberación de productos demostrativos tradicionales.
Es bien sabido por los compradors de software de la posibilidad de disponer de productos demostrativos vía descarga o por otro medio tradicional, por lo que el cliente potencial espera probarlos antes de decidir comprarlos. Una diferencia entre el “software Express” y el demostrativo tradicional “demo” es que no necesariamente el primero tiene fecha de expiración para su uso.
- Presiones del software libre.
La competencia que representa el software no commercial para las organizaciones es evidente en los mercados mundiales, el mecanismo llamado “Software Express” puede ser visto como una estrategia válida para atraer clientes, a diferencia de las prácticas polémicas de precargado de software en las computadoras personales nuevas.
- La pirateria de Software.
Algo que afecta enormemente a la industria del Software es sin duda la copia y distribución de programas informáticos, si consideramos que esto ha beneficiado en el sentido de atraer clientes de forma informal, entonces la idea ha sido poner a disposición los productos con ciertas limitaciones de funcionalidad, soporte técnico y garantía.
El producto que ha sido instalado por parte del usuario puede servir como prototipo para el proceso de desarrollo y su apropiación por parte del cliente puede ser útil para el sistema de mercadotecnia:
- Prototipo de prueba.
El hecho de que la persona inicie un proceso de instalación, puede arrojar datos que bajo el consentimiento o no pueden ser enviados vía remota a la compañía, la información de los registros de actividad sirve para mejorar el prototipo, además esto representa una reducción del costo de desarrollo en la etapa de pruebas al contar con validaciones involuntarias.
- Información del cliente potencial.
Previa descarga o envio del producto, el cliente potencial regularmente debe de registrar su información de contacto y otros datos adicionales respecto a las características de la organización a la que pertenece.
El impacto limitativo para el cliente estriba en las siguientes characterísticas del producto:
- Limitaciones con respecto a su funcionalidad:
Estas restricciones pueden reflejarse en el número de licencias, capacidad de procesamiento, nivel de adaptabilidad, tiempo de expiración, número de usuarios, carencia de algunas funciones, entre otros.
- Es gratuito pero no de código abierto:
A diferencia del software libre el software express o demostrativo no dispone de código abierto, aunque los estándares en los sistemas de cómputo han hecho posible que estos sean menos cerrados, lo que benefecia su interoperatibilidad.
- No hay soporte técnico:
La compañía no asume compromise alguno con el cliente con respecto al soporte técnico, sin embargo, el hecho de que el producto este en manos de más personas a diferencia de los productos comerciales de alto costo, origina que se generen comunidades afines.
- Publicidad y protección de datos personales:
El producto gratuito regularmente es patrocinado por alguna compañía afiliada y los anuncios publicitarios pueden ser retirados cuando sea comprado el software en cuestión, pero esta el riesgo que la compañía infringa en prácticas no deseables por el usuario proporcionando sin su consentimiento datos personales a terceros.
El panorama a futuro en el incremento en la accesibilidad a internet por parte de los usuarios de las computadoras y de otros dispositivos de telecomunicaciones dispone un escenario para que las compañías y desarrolladores independientes establezcan mecanismos innovadores de introducción de sus productos o servicios bajo modelos de negocios rentables.
Esta tendencia es vista también en otros mercados, como es el caso del cine, con la disposición de cortos o “trailers”, estos son fragmentos de películas que representan ya sea el inicio, un capítulo o lo más relevante de la misma.
Pensar que el software de propósito general algún día llegue a ser en su mayoría gratuito puede convertirse en realidad, y los servicios adicionales con costo, tales como documentación, módulos adicionales, soporte técnico personalizado, mejoras, trato preferencial en lanzamientos de nuevos productos, promociones, entre otros, deben de marcar la diferencia entre la elección de un producto, en lugar del precio.
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Juan Pablo Torres Herrera
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Desde hace algunos años se ha visto una tendencia en el mercado del Software Comercial relacionado con la liberación de productos “Express”, y esto abarca a los corporativos Microsoft, Sun e IBM, esta conducta se basa en algunos de los siguientes eventos:
- Liberación de productos demostrativos tradicionales.
Es bien sabido por los compradors de software de la posibilidad de disponer de productos demostrativos vía descarga o por otro medio tradicional, por lo que el cliente potencial espera probarlos antes de decidir comprarlos. Una diferencia entre el “software Express” y el demostrativo tradicional “demo” es que no necesariamente el primero tiene fecha de expiración para su uso.
- Presiones del software libre.
La competencia que representa el software no commercial para las organizaciones es evidente en los mercados mundiales, el mecanismo llamado “Software Express” puede ser visto como una estrategia válida para atraer clientes, a diferencia de las prácticas polémicas de precargado de software en las computadoras personales nuevas.
- La pirateria de Software.
Algo que afecta enormemente a la industria del Software es sin duda la copia y distribución de programas informáticos, si consideramos que esto ha beneficiado en el sentido de atraer clientes de forma informal, entonces la idea ha sido poner a disposición los productos con ciertas limitaciones de funcionalidad, soporte técnico y garantía.
El producto que ha sido instalado por parte del usuario puede servir como prototipo para el proceso de desarrollo y su apropiación por parte del cliente puede ser útil para el sistema de mercadotecnia:
- Prototipo de prueba.
El hecho de que la persona inicie un proceso de instalación, puede arrojar datos que bajo el consentimiento o no pueden ser enviados vía remota a la compañía, la información de los registros de actividad sirve para mejorar el prototipo, además esto representa una reducción del costo de desarrollo en la etapa de pruebas al contar con validaciones involuntarias.
- Información del cliente potencial.
Previa descarga o envio del producto, el cliente potencial regularmente debe de registrar su información de contacto y otros datos adicionales respecto a las características de la organización a la que pertenece.
El impacto limitativo para el cliente estriba en las siguientes characterísticas del producto:
- Limitaciones con respecto a su funcionalidad:
Estas restricciones pueden reflejarse en el número de licencias, capacidad de procesamiento, nivel de adaptabilidad, tiempo de expiración, número de usuarios, carencia de algunas funciones, entre otros.
- Es gratuito pero no de código abierto:
A diferencia del software libre el software express o demostrativo no dispone de código abierto, aunque los estándares en los sistemas de cómputo han hecho posible que estos sean menos cerrados, lo que benefecia su interoperatibilidad.
- No hay soporte técnico:
La compañía no asume compromise alguno con el cliente con respecto al soporte técnico, sin embargo, el hecho de que el producto este en manos de más personas a diferencia de los productos comerciales de alto costo, origina que se generen comunidades afines.
- Publicidad y protección de datos personales:
El producto gratuito regularmente es patrocinado por alguna compañía afiliada y los anuncios publicitarios pueden ser retirados cuando sea comprado el software en cuestión, pero esta el riesgo que la compañía infringa en prácticas no deseables por el usuario proporcionando sin su consentimiento datos personales a terceros.
El panorama a futuro en el incremento en la accesibilidad a internet por parte de los usuarios de las computadoras y de otros dispositivos de telecomunicaciones dispone un escenario para que las compañías y desarrolladores independientes establezcan mecanismos innovadores de introducción de sus productos o servicios bajo modelos de negocios rentables.
Esta tendencia es vista también en otros mercados, como es el caso del cine, con la disposición de cortos o “trailers”, estos son fragmentos de películas que representan ya sea el inicio, un capítulo o lo más relevante de la misma.
Pensar que el software de propósito general algún día llegue a ser en su mayoría gratuito puede convertirse en realidad, y los servicios adicionales con costo, tales como documentación, módulos adicionales, soporte técnico personalizado, mejoras, trato preferencial en lanzamientos de nuevos productos, promociones, entre otros, deben de marcar la diferencia entre la elección de un producto, en lugar del precio.
Friday, May 11, 2007
Hegel y la epopeya de la conciencia - Mariano Álvarez Gómez
Originalmente en abc.es
Hegel
Se cumplen doscientos años de la publicación de la «Fenomenología del espíritu», de Hegel, obra cumbre de la filosofía, que invita al lector a encontrar en ella su propia experiencia intelectual. Hegel concibe su Fenomenología como el modo de legitimar, desde el desarrollo de la conciencia, la verdad propia de la filosofía, fundamento de toda otra verdad. En su realización se ponen de manifiesto una serie de aspectos que representan otras tantas innovaciones respecto de lo que venía siendo la actividad filosófica. De tales aspectos pueden mencionarse los siguientes.
1. Es propio de la verdad aparecer de una forma determinada en el tiempo, no por casualidad ni como efecto de meras ocurrencias ocasionales, sino como exigencia del tiempo mismo. La verdad va pues aconteciendo, como con posterioridad han puesto de relieve, desde su propia perspectiva, tanto Heidegger como Gadamer. Además de ser una novedad, esto permite integrar las más diversas concepciones filosóficas como «momentos de la unidad orgánica», que es la verdad misma. Por eso Hegel es el creador de la historia de la filosofía como disciplina filosófica.
2. En la Fenomenología del espíritu, Hegel logra hacer ver que la suya es una concepción peculiar irreductible a cualquier otra y, simultáneamente, que las demás quedan incorporadas en aquella como sus partes o momentos. No estamos pues ante una forma más de eclecticismo, donde todo cabe, a la vez que se diluye y pierde sus perfiles propios. Aquí ocurre lo contrario. El pensamiento de Hegel es inconfundible, posee referentes perfectamente definidos y a la vez acoge en sí y legitima toda otra forma de pensamiento. La encendida polémica contra otras corrientes contemporáneas no tiene como finalidad su refutación sino convertirlas, mediante la acción transformadora que es inherente al pensamiento, en alimento del propio organismo conceptual, llamado a ser propiedad de todos, es decir, «de la razón consciente de sí misma».
3. Lo anterior sin embargo no pasaría de ser un programa que en sí mismo puede ser válido pero que, en tanto no se realice, se mantiene abstracto y por tanto vacío. Es fundamental la realización, que implica tanto el resultado como el devenir del mismo. Hegel nunca habría negado que la tarea que él se propuso se podía hacer de otro modo, pero habría insistido en que no se podía eludir y en que, una vez iniciada, era preciso trabajar en dos niveles diferentes: el de la «conciencia» y el del «espíritu». La conciencia realiza una larga experiencia caracterizada por la oposición que existe entre ella y el objeto, oposición que progresivamente se va a ir superando hasta llegar al «punto de vista de la ciencia filosófica» o al «concepto de la ciencia».
4. El proceso que conduce a esa meta es necesario, pero no tiene lugar de forma lineal, sino mediante saltos cualitativos, en correspondencia con las fases de formación de la humanidad, tan diferentes entre sí; más concretamente, por lo que se refiere a la actividad específica de la conciencia, el proceso se realiza no simplemente negando las fases precedentes para dar paso a una nueva, que en principio nada tendría que ver con la anterior. Se realiza mediante la «negación determinada», en cuanto que no es simple negación -que implicaría una ruptura con el pasado, con todas y cada una de sus «figuras», y tampoco es mera continuidad- sino que, en cuanto «determinada», posee en cada caso un contenido concreto que, siendo irreductible a los anteriores, es a la vez deudor de todos ellos y está exigiendo ya el paso a una etapa posterior. La simultaneidad de esta triple característica: ser algo concreto, resultado de las etapas anteriores y paso previo para las siguientes, puede no ser fácil de explicar, pero aparte de que las otras dos alternativas -ruptura o mera continuidad- son gratuitas y por ello más difícilmente asimilables, la propuesta de Hegel tiene a su favor la experiencia de lo que es la vida misma, tanto la individual como la cultural y colectiva.
5. ¿Por qué este proceso que recorre la conciencia es necesario y se realiza mediante saltos cualitativos? La respuesta a ambas preguntas está en que el proceso de la conciencia está de antemano orientado a un fin, en razón del cual la actividad de aquella no puede ser arbitraria ni contingente y ha de estar a la vez plenamente dotada de sentido. Hegel explicita así la conocida tesis de Aristóteles, de que «el hombre desea por naturaleza saber» y se propone clarificar este hecho originario extrayendo las consecuencias del mismo. Pero dándolo ya por supuesto, el proceso no puede, en cuanto a los contenidos, ser lineal o meramente repetitivo, pues en tal caso sería inútil y estaría en una manifiesta discrepancia con la experiencia de la formación de la humanidad. Para que tenga sentido y obedezca a un fin, tendrá que representar un enriquecimiento de la conciencia misma.
6. Más allá sin embargo de esta necesidad objetiva impulsada por el fin, la conciencia misma es determinante del proceso, pues la «negación determinada» es la única forma en que puede cumplirse esa tendencia al fin; de no ser así, la aparición de nuevos objetos sería meramente fortuita o extrínseca. La conciencia es pues eminentemente activa y la necesidad objetiva impuesta por el fin del proceso se da la mano con la necesidad inherente a la conciencia.
7. El hecho de que cada figura, al constituirse en objeto para la conciencia, genera una figura nueva -tomar, por ejemplo, conciencia de la Ilustración implica el paso a una nueva etapa- es muy instructivo respecto de lo que representa el propio planteamiento de Hegel. Lejos de ser, en su intención, el cierre y final de todo lo anterior, la reflexión sobre el mismo fuerza el paso a concepciones diferentes. Es lo que Hegel mismo fundamentó explícitamente y lo que de forma inequívoca muestra la historia posterior.
Tuesday, May 08, 2007
VIII ENCUENTROS DE ARTE Y CULTURA
ORGANIZAN: Museo Guggenheim Bilbao y Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco
COORDINAN: Marta Arzak y Josu Rekalde
El objetivo de este curso es trazar un mapa en el que determinados aspectos de la creatividad, la educación y el arte se encuentran con las prácticas psicológicas que estudian la representación como expresión simbólica de los mecanismos cognitivos. En este contexto las prácticas de la ARTETERAPIA y de la PRACTICA PSICOMOTRIZ interaccionan con las expresiones creativas.
La ARTETERAPIA es un acompañamiento terapéutico de las personas con dificultades (psicológicas, físicas y sociales), a través de sus producciones artísticas (obras plásticas, sonoras, teatrales, literarias, danza, etc.) Más que un medio de expresión es una búsqueda durante la cual el terapeuta ayuda a la persona a realizar un recorrido simbólico.
La PRÁCTICA PSICOMOTRIZ potencia los procesos madurativos a través de la vía corporal, elaborando además una concepción de las relaciones humanas, educativas y/o terapéuticas en las que el niño es sujeto en las relaciones y actor en sus acciones, es decir, un ser humano con identidad.
En la palabra CREATIVIDAD confluyen y emergen a la vez sentimientos, razones, conocimientos, silencios, dudas, certezas, desorden, precisión, datos, desatinos, emociones, pasión... Entre la conexión con el “punto interno” -el núcleo de "sí mismo"- donde incide todo lo que eres y el “punto externo”, la interacción con los otros, los objetos, la naturaleza, las calles, las culturas y ritmos diferentes al nuestro, otras percepciones, otros cielos... la vida, está la singularidad que se da en las personas y en los pueblos. Podríamos decir que ésta es como una espiral giratoria y sinérgica que, partiendo del núcleo, se abre en todas direcciones y en permanente movimiento (crear es estar en permanente traslación), que nos da visiones y haceres nuevos y genuinos. La creatividad es una actitud ante la vida.
La EDUCACIÓN CREADORA tiene como objetivo la formación de una persona con iniciativa, recursos imaginativos y confianza propia, estableciendo unas condiciones en las que todas las personas pueden sentirse seguras y afirmarse sin depender de un modelo. El desarrollo de la capacidad creadora para cualquier circunstancia de la vida se basa en la posibilidad de reencuentro con todo lo que se tiene de diferente, original y personal, sin inhibiciones y lejos de la exhibición. Libre de modelos, comparaciones y juicios, el miedo desaparece, los límites se rompen y se evoluciona más allá de lo que imaginamos ser capaces. Así se puede improvisar, investigar, crear y desarrollar la actividad más seria y rigurosa que existe: el juego. Este a su vez se puede desarrollar a través de la pintura, el movimiento, etc.
11 de julio:
Mañana, de 10:00 a 13:00 h
1. CUERPO, REPRESENTACIÓN Y CREACIÓN.
- Bernard Aucouturier (Creador de la Práctica psicomotriz educativa y terapéutica) y Miguel Ángel Domínguez Sevillano (Profesor de la Universidad del País Vasco y fundador de la escuela de Psicomotricidad de Bergara)
- Mesa redonda. Moderan: Josu Rekalde (Artista, Profesor Catedrático de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco) y Marta Arzak (Subdirectora de Educación e Interpretación del Museo Guggenheim Bilbao)
Tarde, de 16:00 a 18:30 h
2. ARTETERAPIA: LA CREACIÓN COMO PROCESO DE TRANSFORMACIÓN.
- Jean Pierre Klein (Psiquiatra Honorario de Hospitales, arteterapeuta y autor del libro Arteterapia. Una introducción) y Eva Bonet (Plástico terapeuta)
- Mesa redonda. Moderan: Josu Rekalde y Marta Arzak
12 de julio:
Mañana, de 10:00 a 13:00 h
3. ARTE PSICOPATOLÓGICO.
- José Guimón (Catedrático del Departamento de Neurociencias de la Facultad de Medicina de la UPV/EHU y de la Universidad de Ginebra. Es autor de 150 trabajos y más de 30 libros)
4. ALGUNAS PRÁCTICAS CREATIVAS CON FUNCIÓN INTEGRADORA O TERAPÉUTICA EN LA CAPV
- Sara Rodríguez (Psicoterapeuta y especialista en danza y terapia)
- Luz Maguregui (Coordinadora de Educación del Museo Guggenheim Bilbao) y Marta Prado (Técnico de Educación del Museo Guggenheim Bilbao)
- Begoña Intxaustegi (Pintora y colaboradora Médicos del Mundo)
Tarde, de 16:00 a 18:30 h
5. CREATIVIDAD Y EDUCACIÓN CREADORA
- Marga Iñiguez (Experta en creatividad)
- Arno Stern y José Miguel Castro (Director de Diraya, Talleres de Educación Creadora)
- Mesa redonda y conclusiones. Moderan: Josu Rekalde y Marta Arzak
MARTA ARZAK
Ha cursado estudios de Historia del Arte en la Universidad Autónoma de Madrid y de arte moderno y contemporáneo en Sotheby’s Educational Studies, Londres, obteniendo diversas becas en la Peggy Guggenheim Collection, Venecia, el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Artists Space, Inc., Nueva York, y el Consorcio del Proyecto Guggenheim Bilbao.
Asimismo, ha trabajado como comisaria de exposiciones y co-subdirectora en Estampa Salón Internacional del Grabado y Ediciones de Arte Contemporáneo, Madrid, y coordinadora de exposiciones en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. En la actualidad, es Subdirectora de Educación e Interpretación del Museo Guggenheim Bilbao, organizando y dirigiendo la programación educativa y de actividades complementarias y culturales de dicha institución desde su inauguración.
BERNARD AUCOUTURIER
Es el Presidente-Fundador de la Asociación Europea de Escuelas de Formación en Práctica Psicomotriz (ASEFOP) y sus enseñanzas se imparten a través de las Escuelas de Práctica Psicomotriz Aucouturier (PPA) de España, Alemania, Bélgica, Italia, Portugal, Argentina, Brasil, México y Uruguay. Autor de diversas obras relacionadas con la Práctica Psicomotriz es un profesional de amplia experiencia clínica. En sus 35 años de trabajo con niños en el Centro de Reeducación de la ciudad de Tours (Francia), ha creado una Práctica Psicomotriz en la que defiende la dimensión afectiva del psiquismo, directamente ligada al cuerpo, a la sensorialidad, al tono y al movimiento. Su trabajo está orientado a estudiar las raíces biológicas del psiquismo, es decir, el fundamento de los procesos que van de la acción al pensamiento.
EVA BONET
Licenciada en Historia del Arte . Formación en técnicas de creación artística desde diversos campos, en arteterapia, línea Jean-Pierre Klein, en terapia de orientación transpersonal y en energética taoista y tai chí chuan.
Coordina la formación en arteterapia de la AEC (Asociación para la Expresión y la Comunicación), en la línea de Jean-Pierre Klein.
Colabora con el programa “El Museu espai comú d’integració”, un espacio para los usuarios de centros de día de salud mental, del MNAC (Museo Nacional de Arte de Catalunya), desde el asesoramiento arteterapéutico y el proyecto y desarrollo de talleres desde el año 2000.
JOSÉ MIGUEL CASTRO
El encuentro con Arno Stern le hizo transformar completamente su forma de trabajar y abandonar la Educación Artística a la que se dedicaba. Abre entonces un taller de pintura con las mismas características que "Le Closlieu" de Arno Stern y crea otro de arcilla aplicando las mismas condiciones de trabajo. Durante años investiga en el taller y encuentra la Formulación en la arcilla.
Su investigación paralelamente se desarrolla en el trabajo con el cuerpo y la creación de espacios para jugar asumiendo roles en lo que él llama "Juego de Configuración".
En 1993 se encuentra con Vega Martín y continúan juntos su trabajo. A lo largo de todo este tiempo ha participado en Congresos Internacionales e impartido conferencias, charlas y cursos de formación tanto para empresas, como para profesionales de la educación o para padres.
Desde 1988 es profesor de la Universidad de Cantabria dónde imparte formación en Educación Creadora y continúa su trabajo en los talleres de pintura, arcilla y movimiento “Diraya. Talleres de expresión y educación creadora” en Bilbao.
MIGUEL ÁNGEL DOMÍNGUEZ SEVILLANO
Profesor de la Universidad del País Vasco y fundador de la escuela de Psicomotricidad de Bergara. Creador y director de la revista “Cuadernos de Psicomotricidad”. Autor de numerosos artículos sobre el desarrollo psicomotor.
Desarrolla un trabajo de investigación y experimentación continua en el área del desarrollo psicomotor con niños.
JOSÉ GUIMÓN
Catedrático del Departamento de Neurociencias del departamento de neurociencias de la Facultad de Medicina de la UPV/EHU. Ha sido también profesor y director de un Hospital en Ginebra. Es autor de 150 trabajos y más de 30 libros, algunos traducidos a otras lenguas.
BEGOÑA INTXAUTEGI
Begoña Intxausti ( Bilbao 1952) es profesora de la Facultad de Bellas de la UPV. Asimismo,
En la actualidad dirige un taller de libre expresión pictórica, para colectivos de personas en situación de exclusión social. Utiliza el arte como terapia en colectivos desfavorecidos y dirige un taller en la Narco-sala de Bilbao, dentro de la organización Médicos del Mundo.
Con el título de ”la mirada invisible” nos ofrece la experiencia en pintura, realizada durante tres años en la que se concluye con un interesante mestizaje entre las obras de reconocidos artistas con las realizadas por heroinómanos.
MARGA ÍÑIGUEZ
Licenciada en Filosofía y Letras. Arte Dramático. Experta en el desarrollo de la creatividad e investigadora de procesos creadores en ámbitos y culturas muy diversos. Desde 1965 hasta la fecha, trabaja en el desarrollo de la Creatividad y de la Innovación en campos diversos – empresas e instituciones, medios de comunicación, formación de profesorado, Escuelas de Bellas Artes, Arquitectura, Artes Escénicas, planes de desarrollo -, tanto en organismos públicos como privados, impartiendo seminarios, cursos, talleres, conferencias y consultorías. Países en los que ha trabajado: España, Argentina, Bolivia, Colombia, Costa Rica, Cuba, Chile, Ecuador, Estados Unidos, Francia, Guatemala, Italia, Méjico, Panamá, Perú, Portugal, Uruguay y Venezuela.
JEAN-PIERRE KLEIN
Es Psiquiatra Honorario de Hospitales, doctor habilitado para dirigir investigaciones en psicología, arteterapeuta. Director de teatro, ha sido presidente del Collège International de Psychiatrie Infanto-Juvénile de Francia. Miembro de Ecrivains Asocies de Théâtre. Es presidente de la Organización Internacional de Terapias y Relaciones de Ayuda con Mediaciones FITRAM (Estrasburgo). Autor de numerosas publicaciones de arteterapia y psiquiatría. Creador y supervisor de la Formación de Arteterapia de la Associació per a l’Expressió i la Comunicació, AEC, Barcelona y Director de l’Institut National d’Expression, de Creation, d’Art et Transformation, INECAT, de París.
LUZ MAGUREGUI
Licenciada en Filosofía y Letras, especialidad Historia Contemporánea, por la Universidad de Deusto, cuenta con un Master en Estudios de Ocio Europeos de la misma Universidad. Ha sido becaria del Gobierno Vasco en el Departamento de Educación del Museo Solomon R. Guggenheim y del Departamento de Educación del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Así mismo, ha sido técnico del Departamento de Educación del National Design Museum, Smithsonian Institution, de la misma ciudad.
Coordinadora de Educación del Museo Guggenheim Bilbao desde su inauguración, desarrolla, entre otros, los programas de voluntariado, discapacidades, ciclos de cine, conciertos y actuaciones, visitas guiadas y Didaktikas de las exposiciones.
MARTA PRADO
Técnico de Educación del Museo Guggenheim Bilbao desde el año 1997, desarrolla los programas para escolares y familias como Aprendiendo a través del arte o talleres de arte y tecnología para niños, entre otros.
Tras estudiar Filología Inglesa en la Universidad de Deusto y en la Universidad de Kent en Canterbury (UK), cursa estudios de gestión de ocio en las Universidades Vrije Universiteit Brussel (Bélgica), Loughborough University (UK), Katholieke Universiteit Brabant (Holanda) y Deusto. Becaria del Gobierno Vasco en el Departamento de Educación del Museo Solomon R. Guggenheim, cuenta, asimismo, con una amplia experiencia pedagógica, tanto en centros educativos como en instituciones cultures del País Vasco.
JOSU REKALDE
Josu Rekalde es profesor catedrático de la Facultad de Bellas Artes de La universidad del País Vasco, compaginando esta labor con la creación artística. Su campo de trabajo es multidisciplinar aunque sea su faceta más conocida la relacionada con el arte y las nuevas tecnologías. Es autor de varios libros relacionados con el arte en relación a la ciencia y a la tecnología. Ha expuesto y difundido su obra en numerosos lugares entre los que podemos citar el Museo de Bellas Artes de Bilbao (1995), el Museo de Girona (1997), Espace des Arts de Tolouse (1998), Mappin Gallery de Sheffield (1998) o el Espace d´Art Contemporani de Castelló (2000). http://www.josurekalde.com/
SARA RODRÍGUEZ
Licenciada en Psicopedagogía por la Universidad Deusto, Bilbao, cuenta con un Master en Danza Movimiento Terapia de la Hahneman University, Filadelfia, y un Doctorado en Psicología (Salud y familia), por la Universidad Deusto. También, es co-fundadora y presidenta de la ADMTE, Barcelona.
ARNO STERN
Durante la Segunda Guerra Mundial, Arno Stern tenia 22 años cuando en 1946 se encuentra en un campo de refugiados trabajando con huérfanos de guerra. Por azar, les pone a pintar y, allí se originan las condiciones del trabajo que viene realizando a lo largo de su vida. Finalizada la guerra, en 1949, abre en París su taller de pintura "Academie de Jeudi", actualmente "Le Closlieu". Durante la década de los 60 se dedica a investigar sobre el dibujo y la pintura. Viaja por el mundo buscando pueblos cuyas diferencias de vida sean patentes. Desarrolla su investigación entre los nómadas del desierto, los pobladores de la selva virgen, los habitantes de la sabana y a dos mil metros de altura entre los pueblos indígenas de los Andes. En estos lugares eligió aquellas poblaciones en las que, debido a su aislamiento o forma de vida, no existía institución escolar. Algunos de ellos no habían visto nunca lápices o pinceles y nunca habían dibujado.
Como resultado de este trabajo Arno Stern constata la existencia de un código universal y las leyes internas que lo rigen. Esto es a lo que llama "la Formulación", un sistema independiente del arte, que sólo aparece cuando las personas pintan en unas condiciones muy concretas, al margen de la comunicación y el juicio y que luego define como las condiciones de la "Educación Creadora".
En estos momentos Arno Stern continua trabajando e investigando en su taller de París, imparte cursos por toda Europa y ha creado el "Institut de Recherche en Semiologie del`Expressión"
COORDINAN: Marta Arzak y Josu Rekalde
El objetivo de este curso es trazar un mapa en el que determinados aspectos de la creatividad, la educación y el arte se encuentran con las prácticas psicológicas que estudian la representación como expresión simbólica de los mecanismos cognitivos. En este contexto las prácticas de la ARTETERAPIA y de la PRACTICA PSICOMOTRIZ interaccionan con las expresiones creativas.
La ARTETERAPIA es un acompañamiento terapéutico de las personas con dificultades (psicológicas, físicas y sociales), a través de sus producciones artísticas (obras plásticas, sonoras, teatrales, literarias, danza, etc.) Más que un medio de expresión es una búsqueda durante la cual el terapeuta ayuda a la persona a realizar un recorrido simbólico.
La PRÁCTICA PSICOMOTRIZ potencia los procesos madurativos a través de la vía corporal, elaborando además una concepción de las relaciones humanas, educativas y/o terapéuticas en las que el niño es sujeto en las relaciones y actor en sus acciones, es decir, un ser humano con identidad.
En la palabra CREATIVIDAD confluyen y emergen a la vez sentimientos, razones, conocimientos, silencios, dudas, certezas, desorden, precisión, datos, desatinos, emociones, pasión... Entre la conexión con el “punto interno” -el núcleo de "sí mismo"- donde incide todo lo que eres y el “punto externo”, la interacción con los otros, los objetos, la naturaleza, las calles, las culturas y ritmos diferentes al nuestro, otras percepciones, otros cielos... la vida, está la singularidad que se da en las personas y en los pueblos. Podríamos decir que ésta es como una espiral giratoria y sinérgica que, partiendo del núcleo, se abre en todas direcciones y en permanente movimiento (crear es estar en permanente traslación), que nos da visiones y haceres nuevos y genuinos. La creatividad es una actitud ante la vida.
La EDUCACIÓN CREADORA tiene como objetivo la formación de una persona con iniciativa, recursos imaginativos y confianza propia, estableciendo unas condiciones en las que todas las personas pueden sentirse seguras y afirmarse sin depender de un modelo. El desarrollo de la capacidad creadora para cualquier circunstancia de la vida se basa en la posibilidad de reencuentro con todo lo que se tiene de diferente, original y personal, sin inhibiciones y lejos de la exhibición. Libre de modelos, comparaciones y juicios, el miedo desaparece, los límites se rompen y se evoluciona más allá de lo que imaginamos ser capaces. Así se puede improvisar, investigar, crear y desarrollar la actividad más seria y rigurosa que existe: el juego. Este a su vez se puede desarrollar a través de la pintura, el movimiento, etc.
11 de julio:
Mañana, de 10:00 a 13:00 h
1. CUERPO, REPRESENTACIÓN Y CREACIÓN.
- Bernard Aucouturier (Creador de la Práctica psicomotriz educativa y terapéutica) y Miguel Ángel Domínguez Sevillano (Profesor de la Universidad del País Vasco y fundador de la escuela de Psicomotricidad de Bergara)
- Mesa redonda. Moderan: Josu Rekalde (Artista, Profesor Catedrático de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco) y Marta Arzak (Subdirectora de Educación e Interpretación del Museo Guggenheim Bilbao)
Tarde, de 16:00 a 18:30 h
2. ARTETERAPIA: LA CREACIÓN COMO PROCESO DE TRANSFORMACIÓN.
- Jean Pierre Klein (Psiquiatra Honorario de Hospitales, arteterapeuta y autor del libro Arteterapia. Una introducción) y Eva Bonet (Plástico terapeuta)
- Mesa redonda. Moderan: Josu Rekalde y Marta Arzak
12 de julio:
Mañana, de 10:00 a 13:00 h
3. ARTE PSICOPATOLÓGICO.
- José Guimón (Catedrático del Departamento de Neurociencias de la Facultad de Medicina de la UPV/EHU y de la Universidad de Ginebra. Es autor de 150 trabajos y más de 30 libros)
4. ALGUNAS PRÁCTICAS CREATIVAS CON FUNCIÓN INTEGRADORA O TERAPÉUTICA EN LA CAPV
- Sara Rodríguez (Psicoterapeuta y especialista en danza y terapia)
- Luz Maguregui (Coordinadora de Educación del Museo Guggenheim Bilbao) y Marta Prado (Técnico de Educación del Museo Guggenheim Bilbao)
- Begoña Intxaustegi (Pintora y colaboradora Médicos del Mundo)
Tarde, de 16:00 a 18:30 h
5. CREATIVIDAD Y EDUCACIÓN CREADORA
- Marga Iñiguez (Experta en creatividad)
- Arno Stern y José Miguel Castro (Director de Diraya, Talleres de Educación Creadora)
- Mesa redonda y conclusiones. Moderan: Josu Rekalde y Marta Arzak
MARTA ARZAK
Ha cursado estudios de Historia del Arte en la Universidad Autónoma de Madrid y de arte moderno y contemporáneo en Sotheby’s Educational Studies, Londres, obteniendo diversas becas en la Peggy Guggenheim Collection, Venecia, el Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Artists Space, Inc., Nueva York, y el Consorcio del Proyecto Guggenheim Bilbao.
Asimismo, ha trabajado como comisaria de exposiciones y co-subdirectora en Estampa Salón Internacional del Grabado y Ediciones de Arte Contemporáneo, Madrid, y coordinadora de exposiciones en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. En la actualidad, es Subdirectora de Educación e Interpretación del Museo Guggenheim Bilbao, organizando y dirigiendo la programación educativa y de actividades complementarias y culturales de dicha institución desde su inauguración.
BERNARD AUCOUTURIER
Es el Presidente-Fundador de la Asociación Europea de Escuelas de Formación en Práctica Psicomotriz (ASEFOP) y sus enseñanzas se imparten a través de las Escuelas de Práctica Psicomotriz Aucouturier (PPA) de España, Alemania, Bélgica, Italia, Portugal, Argentina, Brasil, México y Uruguay. Autor de diversas obras relacionadas con la Práctica Psicomotriz es un profesional de amplia experiencia clínica. En sus 35 años de trabajo con niños en el Centro de Reeducación de la ciudad de Tours (Francia), ha creado una Práctica Psicomotriz en la que defiende la dimensión afectiva del psiquismo, directamente ligada al cuerpo, a la sensorialidad, al tono y al movimiento. Su trabajo está orientado a estudiar las raíces biológicas del psiquismo, es decir, el fundamento de los procesos que van de la acción al pensamiento.
EVA BONET
Licenciada en Historia del Arte . Formación en técnicas de creación artística desde diversos campos, en arteterapia, línea Jean-Pierre Klein, en terapia de orientación transpersonal y en energética taoista y tai chí chuan.
Coordina la formación en arteterapia de la AEC (Asociación para la Expresión y la Comunicación), en la línea de Jean-Pierre Klein.
Colabora con el programa “El Museu espai comú d’integració”, un espacio para los usuarios de centros de día de salud mental, del MNAC (Museo Nacional de Arte de Catalunya), desde el asesoramiento arteterapéutico y el proyecto y desarrollo de talleres desde el año 2000.
JOSÉ MIGUEL CASTRO
El encuentro con Arno Stern le hizo transformar completamente su forma de trabajar y abandonar la Educación Artística a la que se dedicaba. Abre entonces un taller de pintura con las mismas características que "Le Closlieu" de Arno Stern y crea otro de arcilla aplicando las mismas condiciones de trabajo. Durante años investiga en el taller y encuentra la Formulación en la arcilla.
Su investigación paralelamente se desarrolla en el trabajo con el cuerpo y la creación de espacios para jugar asumiendo roles en lo que él llama "Juego de Configuración".
En 1993 se encuentra con Vega Martín y continúan juntos su trabajo. A lo largo de todo este tiempo ha participado en Congresos Internacionales e impartido conferencias, charlas y cursos de formación tanto para empresas, como para profesionales de la educación o para padres.
Desde 1988 es profesor de la Universidad de Cantabria dónde imparte formación en Educación Creadora y continúa su trabajo en los talleres de pintura, arcilla y movimiento “Diraya. Talleres de expresión y educación creadora” en Bilbao.
MIGUEL ÁNGEL DOMÍNGUEZ SEVILLANO
Profesor de la Universidad del País Vasco y fundador de la escuela de Psicomotricidad de Bergara. Creador y director de la revista “Cuadernos de Psicomotricidad”. Autor de numerosos artículos sobre el desarrollo psicomotor.
Desarrolla un trabajo de investigación y experimentación continua en el área del desarrollo psicomotor con niños.
JOSÉ GUIMÓN
Catedrático del Departamento de Neurociencias del departamento de neurociencias de la Facultad de Medicina de la UPV/EHU. Ha sido también profesor y director de un Hospital en Ginebra. Es autor de 150 trabajos y más de 30 libros, algunos traducidos a otras lenguas.
BEGOÑA INTXAUTEGI
Begoña Intxausti ( Bilbao 1952) es profesora de la Facultad de Bellas de la UPV. Asimismo,
En la actualidad dirige un taller de libre expresión pictórica, para colectivos de personas en situación de exclusión social. Utiliza el arte como terapia en colectivos desfavorecidos y dirige un taller en la Narco-sala de Bilbao, dentro de la organización Médicos del Mundo.
Con el título de ”la mirada invisible” nos ofrece la experiencia en pintura, realizada durante tres años en la que se concluye con un interesante mestizaje entre las obras de reconocidos artistas con las realizadas por heroinómanos.
MARGA ÍÑIGUEZ
Licenciada en Filosofía y Letras. Arte Dramático. Experta en el desarrollo de la creatividad e investigadora de procesos creadores en ámbitos y culturas muy diversos. Desde 1965 hasta la fecha, trabaja en el desarrollo de la Creatividad y de la Innovación en campos diversos – empresas e instituciones, medios de comunicación, formación de profesorado, Escuelas de Bellas Artes, Arquitectura, Artes Escénicas, planes de desarrollo -, tanto en organismos públicos como privados, impartiendo seminarios, cursos, talleres, conferencias y consultorías. Países en los que ha trabajado: España, Argentina, Bolivia, Colombia, Costa Rica, Cuba, Chile, Ecuador, Estados Unidos, Francia, Guatemala, Italia, Méjico, Panamá, Perú, Portugal, Uruguay y Venezuela.
JEAN-PIERRE KLEIN
Es Psiquiatra Honorario de Hospitales, doctor habilitado para dirigir investigaciones en psicología, arteterapeuta. Director de teatro, ha sido presidente del Collège International de Psychiatrie Infanto-Juvénile de Francia. Miembro de Ecrivains Asocies de Théâtre. Es presidente de la Organización Internacional de Terapias y Relaciones de Ayuda con Mediaciones FITRAM (Estrasburgo). Autor de numerosas publicaciones de arteterapia y psiquiatría. Creador y supervisor de la Formación de Arteterapia de la Associació per a l’Expressió i la Comunicació, AEC, Barcelona y Director de l’Institut National d’Expression, de Creation, d’Art et Transformation, INECAT, de París.
LUZ MAGUREGUI
Licenciada en Filosofía y Letras, especialidad Historia Contemporánea, por la Universidad de Deusto, cuenta con un Master en Estudios de Ocio Europeos de la misma Universidad. Ha sido becaria del Gobierno Vasco en el Departamento de Educación del Museo Solomon R. Guggenheim y del Departamento de Educación del Museo de Arte Moderno de Nueva York. Así mismo, ha sido técnico del Departamento de Educación del National Design Museum, Smithsonian Institution, de la misma ciudad.
Coordinadora de Educación del Museo Guggenheim Bilbao desde su inauguración, desarrolla, entre otros, los programas de voluntariado, discapacidades, ciclos de cine, conciertos y actuaciones, visitas guiadas y Didaktikas de las exposiciones.
MARTA PRADO
Técnico de Educación del Museo Guggenheim Bilbao desde el año 1997, desarrolla los programas para escolares y familias como Aprendiendo a través del arte o talleres de arte y tecnología para niños, entre otros.
Tras estudiar Filología Inglesa en la Universidad de Deusto y en la Universidad de Kent en Canterbury (UK), cursa estudios de gestión de ocio en las Universidades Vrije Universiteit Brussel (Bélgica), Loughborough University (UK), Katholieke Universiteit Brabant (Holanda) y Deusto. Becaria del Gobierno Vasco en el Departamento de Educación del Museo Solomon R. Guggenheim, cuenta, asimismo, con una amplia experiencia pedagógica, tanto en centros educativos como en instituciones cultures del País Vasco.
JOSU REKALDE
Josu Rekalde es profesor catedrático de la Facultad de Bellas Artes de La universidad del País Vasco, compaginando esta labor con la creación artística. Su campo de trabajo es multidisciplinar aunque sea su faceta más conocida la relacionada con el arte y las nuevas tecnologías. Es autor de varios libros relacionados con el arte en relación a la ciencia y a la tecnología. Ha expuesto y difundido su obra en numerosos lugares entre los que podemos citar el Museo de Bellas Artes de Bilbao (1995), el Museo de Girona (1997), Espace des Arts de Tolouse (1998), Mappin Gallery de Sheffield (1998) o el Espace d´Art Contemporani de Castelló (2000). http://www.josurekalde.com/
SARA RODRÍGUEZ
Licenciada en Psicopedagogía por la Universidad Deusto, Bilbao, cuenta con un Master en Danza Movimiento Terapia de la Hahneman University, Filadelfia, y un Doctorado en Psicología (Salud y familia), por la Universidad Deusto. También, es co-fundadora y presidenta de la ADMTE, Barcelona.
ARNO STERN
Durante la Segunda Guerra Mundial, Arno Stern tenia 22 años cuando en 1946 se encuentra en un campo de refugiados trabajando con huérfanos de guerra. Por azar, les pone a pintar y, allí se originan las condiciones del trabajo que viene realizando a lo largo de su vida. Finalizada la guerra, en 1949, abre en París su taller de pintura "Academie de Jeudi", actualmente "Le Closlieu". Durante la década de los 60 se dedica a investigar sobre el dibujo y la pintura. Viaja por el mundo buscando pueblos cuyas diferencias de vida sean patentes. Desarrolla su investigación entre los nómadas del desierto, los pobladores de la selva virgen, los habitantes de la sabana y a dos mil metros de altura entre los pueblos indígenas de los Andes. En estos lugares eligió aquellas poblaciones en las que, debido a su aislamiento o forma de vida, no existía institución escolar. Algunos de ellos no habían visto nunca lápices o pinceles y nunca habían dibujado.
Como resultado de este trabajo Arno Stern constata la existencia de un código universal y las leyes internas que lo rigen. Esto es a lo que llama "la Formulación", un sistema independiente del arte, que sólo aparece cuando las personas pintan en unas condiciones muy concretas, al margen de la comunicación y el juicio y que luego define como las condiciones de la "Educación Creadora".
En estos momentos Arno Stern continua trabajando e investigando en su taller de París, imparte cursos por toda Europa y ha creado el "Institut de Recherche en Semiologie del`Expressión"
Friday, April 13, 2007
Thursday, April 12, 2007
DEFINICIONES DEL PROYECTO PRÍNCIPE
Cultura: Definir cultura resulta complejo, ya que aun no podemos tener una definición exacta de lo que entendemos por cultura. Aquí consideramos la cultura como un conjunto de ritos, normas, creencias, acciones, formas de ver, reconocimientos, declaraciones, dogmas, credos, manifestaciones o confesiones que una sociedad concreta posee. Este conjunto forma una mentalidad (a menudo lineal) en el que los habitantes de dicha sociedad pueden cuestionar o aceptar. Sin embargo, la mirada formada a través del mundo a sido desde su propia cultura, y las formas de comprensión del mundo y sus espacios, estarán determinados por esta. Entendemos la cultura del individuo como una área protegida de cualquier ataque de conocimiento. Esta área puede invisibilizarse, camuflarse o reducirse a uno, pero nunca a dejar de fluir información a el sujeto portador.
Cultura de masas: Cuando hablamos de cultura de masas, hacemos referencia a aquella cultura dirigida a un gran público por distintas vías. Normalmente la cultura de masas, tiene unas características muy definidas de la cultura de la que procede, para que esta (a la que va dirigida) pueda descifrar los códigos visuales que la cultura de masas les ofrece. La cultura de masas, posee normalmente aspectos agradables y tópicos con los que valerse para que la sociedad a la que va dirigida la acepte.
La cultura de masas viene condicionada por la visión y las pautas visuales de cada contexto, y actualmente resulta ser una lucha constantes, marcados por la economía (las audiencias, los varemos de compradores, los componentes de las encuestas). Podemos también considerar como cultura de masas aquellos espacios que rechazando la cultura de la que proceden, generan otra para sentirse reconocidos. No es necesario que la cultura de masas sea de una gran masa, sino que se dirija a una masa de personas, grupo o colectivo bastante amplio como para considerar que poseen unos ideales propios.
La cultura de masas puede llegarse a convertir en una moda o submodas para minorías (el gótico, el rasta o el skater por poner algunos ejemplos, rechaza voluntariamente la cultura de masas (en la mayoría de casos les parece una forma de venderse) para pode unirse a otro grupo que posee de la misma forma normas de vestir, de comportarse y de gustos).
Mass media: Los mass media no es el conjunto de aparatos que nos brindan información. Los mass media es fenómeno que deriva de los canales que ofrecen algún tipo de comunicación. Podemos considerar un mass media como aquella vía que nos brinda una información a un grupo considerable de personas. Los mass media aportan informaciones llenos de ideas y conceptos que de alguna forma están mediados a través de discursos (visuales o no) que contienen representaciones que el público a las que van dirigidas puedan leer.
Los mass media es una manifestación de pensamientos dirigidos a una sociedad. Tampoco son lineales, ya que la sociedad puede aportar información a los canales que generan mass media. Se trata de un sistema circular que se alimenta de la sociedad de forma constante: extrae información de esta y esta inserta información también.
Subcultura: Entendemos como subcultura aquel reducto que se a gestado desde una cultura concreta, y que decide alienarse para generar otro tipo de ideas. La subcultura procede siempre de una cultura. No podemos decir que una subcultura lo es, si no crea otras ideas opuestas o no de la cultura de la que desciende. El término jerarquiza (sub: por debajo de), ya que la subcultura siempre hace alusión a minorías de una mayoría. La subcultura esta llena de ideas extraídas desde donde nace, ya sea por negación o por afirmación. Aquí tratamos en algunos casos, a la cultura gay como subcultura, ya que nace de la cultura y el imaginario heterosexual, para negar este, reivindicando que hay personas con las que no se sienten reconocidos/as, y derivan otras posturas culturales (ideales, creencias, dogmas, comportamientos…).
Gay: La definición de gay es un concepto dicotómico en la cultura española. Desde el imaginario colectivo, se entiende gay como individuo masculino (en la mayoría de los casos) que se siente atraído por personas de su mismo sexo. En el caso que fuera así podríamos decir que gay y homosexual son palabras sinónimas, cuando en realidad no lo son. Ser gay es mucho mas que sentir atracción por personas de un mismo sexo, ser gay y definirse como tal representa poseer una serie de ideales, una bandera, un sentimiento de creer ser alguien distinto a la cultura que lo rodea. Ser gay representa tener unas nociones de desear unos espacios destinados para él, en los que se sienta cómodos, y en la mayoría de los casos, diríamos que “el buen gay” ridiculiza los ritos heterosexuales, cuestionando así los pensamientos de los que creció rodeado. Podemos decir que existe una vida gay, una forma de entender la vida desde tu organismo organizador igual a ti, que te aporta una identidad, unas formas de reconocerte, y por encima de todo, un sentimiento de integración y reconforte emocional que la cultura heterosexual no brinda.
El gay frecuenta los lugares de ocio y divertimento destinados para él. El gay no tiene miedo a ser afeminado (en el caso que lo sea), una loca (en el caso que lo sea), o un hombre viril (en el caso que lo sea). El gay (en teoría) se comporta sin prejuicios, sin anomalías que lo tachen, o cuestionen su forma de ser. El gay acepta porque también fue rechazado en varias ocasiones, y es consciente de ello. Se siente como la oveja negra del rebaño, que se a juntado con otras ovejas negras, para reivindicar que él también tiene su vida, una vida que se llama “cultura gay”, de la que no es rechazado, se siente reconocido, satisfecho y liberado.
Homosexual: El término homosexual es una forma socialmente políticamente correcta para decir que a una persona siente atracción por los individuos de su mismo sexo. Cuando aquí mencionamos homosexual, hacemos referencia a aquella categoría de personas que pretenden ser reconocidas en un entorno heterosexual, como individuos que sienten atracción por individuos de su mismo sexo, y reclaman sus derechos desde la cultura heterosexual de la que forman parte. Normalmente cuestionan la cultura de la que proceden y solicitan los mismos derechos que el heterosexual tiene únicamente por serlo. El homosexual pretende “normalizar” su situación y estatus dentro de la cultura que vive. El homosexual se siente cómodo en la cultura que habita, pero quiere ser como los demás en oportunidades de varias índoles (por ej. burocrática), y no pretende separarse, porque cree que si se ha de luchar (en el caso que quiera hacerlo) ha de hacerse desde dentro. No pretende una revolución, solo ser uno mas, con el que tener un marido, una casa y unos niños adoptados.
La identidad del homosexual está gestada desde la cultura heterosexual (como el gay) y ha seguido por ese camino, sin separarse, ya sea por cuestiones éticas, morales, de costumbrismo, de miedo, de negación o de contexto.
También existen homosexuales que no quieren manifestar su atracción por personas del mismo sexo, y por varias razones lo ocultan. Esta es un sucategoría de homosexual, al que llamaremos “Homosexual negado”,, que ya puede ser autonegado o negado por su ocultación. El homosexual negado por autonegación a menudo es un ser que abusa de su virilidad o bien posee un carácter tímido. En esta categoría encontraremos aquella tipología de personas que dicen “no me he dado cuenta hasta ahora que soy gay”, porque se han estado autonegando de forma continua. El homosexual negado, esconde por varias razones (mayoritariamente por miedo), aunque sabe muy bien que es lo que le gusta, pero se reprime por diversos motivos.
ESTAS SON ALGUNAS DE LAS DEFINICIONES
MAS ES BREVE
Cultura de masas: Cuando hablamos de cultura de masas, hacemos referencia a aquella cultura dirigida a un gran público por distintas vías. Normalmente la cultura de masas, tiene unas características muy definidas de la cultura de la que procede, para que esta (a la que va dirigida) pueda descifrar los códigos visuales que la cultura de masas les ofrece. La cultura de masas, posee normalmente aspectos agradables y tópicos con los que valerse para que la sociedad a la que va dirigida la acepte.
La cultura de masas viene condicionada por la visión y las pautas visuales de cada contexto, y actualmente resulta ser una lucha constantes, marcados por la economía (las audiencias, los varemos de compradores, los componentes de las encuestas). Podemos también considerar como cultura de masas aquellos espacios que rechazando la cultura de la que proceden, generan otra para sentirse reconocidos. No es necesario que la cultura de masas sea de una gran masa, sino que se dirija a una masa de personas, grupo o colectivo bastante amplio como para considerar que poseen unos ideales propios.
La cultura de masas puede llegarse a convertir en una moda o submodas para minorías (el gótico, el rasta o el skater por poner algunos ejemplos, rechaza voluntariamente la cultura de masas (en la mayoría de casos les parece una forma de venderse) para pode unirse a otro grupo que posee de la misma forma normas de vestir, de comportarse y de gustos).
Mass media: Los mass media no es el conjunto de aparatos que nos brindan información. Los mass media es fenómeno que deriva de los canales que ofrecen algún tipo de comunicación. Podemos considerar un mass media como aquella vía que nos brinda una información a un grupo considerable de personas. Los mass media aportan informaciones llenos de ideas y conceptos que de alguna forma están mediados a través de discursos (visuales o no) que contienen representaciones que el público a las que van dirigidas puedan leer.
Los mass media es una manifestación de pensamientos dirigidos a una sociedad. Tampoco son lineales, ya que la sociedad puede aportar información a los canales que generan mass media. Se trata de un sistema circular que se alimenta de la sociedad de forma constante: extrae información de esta y esta inserta información también.
Subcultura: Entendemos como subcultura aquel reducto que se a gestado desde una cultura concreta, y que decide alienarse para generar otro tipo de ideas. La subcultura procede siempre de una cultura. No podemos decir que una subcultura lo es, si no crea otras ideas opuestas o no de la cultura de la que desciende. El término jerarquiza (sub: por debajo de), ya que la subcultura siempre hace alusión a minorías de una mayoría. La subcultura esta llena de ideas extraídas desde donde nace, ya sea por negación o por afirmación. Aquí tratamos en algunos casos, a la cultura gay como subcultura, ya que nace de la cultura y el imaginario heterosexual, para negar este, reivindicando que hay personas con las que no se sienten reconocidos/as, y derivan otras posturas culturales (ideales, creencias, dogmas, comportamientos…).
Gay: La definición de gay es un concepto dicotómico en la cultura española. Desde el imaginario colectivo, se entiende gay como individuo masculino (en la mayoría de los casos) que se siente atraído por personas de su mismo sexo. En el caso que fuera así podríamos decir que gay y homosexual son palabras sinónimas, cuando en realidad no lo son. Ser gay es mucho mas que sentir atracción por personas de un mismo sexo, ser gay y definirse como tal representa poseer una serie de ideales, una bandera, un sentimiento de creer ser alguien distinto a la cultura que lo rodea. Ser gay representa tener unas nociones de desear unos espacios destinados para él, en los que se sienta cómodos, y en la mayoría de los casos, diríamos que “el buen gay” ridiculiza los ritos heterosexuales, cuestionando así los pensamientos de los que creció rodeado. Podemos decir que existe una vida gay, una forma de entender la vida desde tu organismo organizador igual a ti, que te aporta una identidad, unas formas de reconocerte, y por encima de todo, un sentimiento de integración y reconforte emocional que la cultura heterosexual no brinda.
El gay frecuenta los lugares de ocio y divertimento destinados para él. El gay no tiene miedo a ser afeminado (en el caso que lo sea), una loca (en el caso que lo sea), o un hombre viril (en el caso que lo sea). El gay (en teoría) se comporta sin prejuicios, sin anomalías que lo tachen, o cuestionen su forma de ser. El gay acepta porque también fue rechazado en varias ocasiones, y es consciente de ello. Se siente como la oveja negra del rebaño, que se a juntado con otras ovejas negras, para reivindicar que él también tiene su vida, una vida que se llama “cultura gay”, de la que no es rechazado, se siente reconocido, satisfecho y liberado.
Homosexual: El término homosexual es una forma socialmente políticamente correcta para decir que a una persona siente atracción por los individuos de su mismo sexo. Cuando aquí mencionamos homosexual, hacemos referencia a aquella categoría de personas que pretenden ser reconocidas en un entorno heterosexual, como individuos que sienten atracción por individuos de su mismo sexo, y reclaman sus derechos desde la cultura heterosexual de la que forman parte. Normalmente cuestionan la cultura de la que proceden y solicitan los mismos derechos que el heterosexual tiene únicamente por serlo. El homosexual pretende “normalizar” su situación y estatus dentro de la cultura que vive. El homosexual se siente cómodo en la cultura que habita, pero quiere ser como los demás en oportunidades de varias índoles (por ej. burocrática), y no pretende separarse, porque cree que si se ha de luchar (en el caso que quiera hacerlo) ha de hacerse desde dentro. No pretende una revolución, solo ser uno mas, con el que tener un marido, una casa y unos niños adoptados.
La identidad del homosexual está gestada desde la cultura heterosexual (como el gay) y ha seguido por ese camino, sin separarse, ya sea por cuestiones éticas, morales, de costumbrismo, de miedo, de negación o de contexto.
También existen homosexuales que no quieren manifestar su atracción por personas del mismo sexo, y por varias razones lo ocultan. Esta es un sucategoría de homosexual, al que llamaremos “Homosexual negado”,, que ya puede ser autonegado o negado por su ocultación. El homosexual negado por autonegación a menudo es un ser que abusa de su virilidad o bien posee un carácter tímido. En esta categoría encontraremos aquella tipología de personas que dicen “no me he dado cuenta hasta ahora que soy gay”, porque se han estado autonegando de forma continua. El homosexual negado, esconde por varias razones (mayoritariamente por miedo), aunque sabe muy bien que es lo que le gusta, pero se reprime por diversos motivos.
ESTAS SON ALGUNAS DE LAS DEFINICIONES
MAS ES BREVE
Tuesday, March 20, 2007
¿Co-educar en Internet?
Autor/-a: Elena Garea Casau
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Elena Garea Casau
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Datos a partir del 03.03.2004. Artículo en el OCS desde el 07/07/2005
A estas alturas son muchas las personas que ven en Internet un espacio social, en el cual se puede, y se debe, socializar a l@s usuari@s. Sin duda las nuevas tecnologías son susceptibles de control por parte de gobiernos, empresas, corporaciones, élites y demás, dado el gran impacto que tienen. Es un espacio a conquistar por much@s y sobre todo por los colectivos silenciad@s en la sociedad actual.
El control implica poder y hay que tener en cuenta que en Internet las dimensiones espacio-temporales nos permiten una accesibilidad impropia de otras formas de comunicación. Se diluyen muchas de las barreras existentes en el mundo “físico” debido, en gran medida al anonimato del medio y a la organización horizontal que elimina cualquier forma de estratificación vertical. Esto explica el sorprendente crecimiento de usuarios, en un espacio en el que cualquiera puede controlar y/o manipular o, ser potencialmente controlado y/o manipulado.
Es lógico que en este contexto lleno de oportunidades, las mujeres vean en este medio un espacio para conquistar y compartir, dónde tal vez no exista, todavía, un “techo de cristal”. Sin embargo, analizando los contenidos que se ofrecen en la red, se puede apreciar que siguen, en su mayoría, respondiendo a los roles socialmente impuestos, dirigidos y con protagonismo masculino, espacios en los que poco a poco las mujeres se abren paso, cada vez con más presencia, y en parcelas tradicionalmente restringidas.
Internet puede ser un lugar y una oportunidad para co-educar, para compartir, para construir bajo valores de igualdad, respeto y tolerancia. Un espacio en el que debemos intervenir para crear, aprender y transmitir valores en un medio “casi virgen”, pero... ¿cómo hacerlo?
Son muchas las personas que se han lanzado en esta difícil labor. El gobierno español inició a finales del pasado año, una campaña para impulsar el uso de Internet por parte de mujeres, ancianos e inmigrantes. Una cuestión aparte será el análisis de la metodología empleada, resultados y conclusiones.
Algunas organizaciones, sobre todo feministas, han hecho de Internet su espacio de difusión, de contacto, de socialización. Es importante destacar el esfuerzo realizado para impulsar acciones de formación y acercamiento de Internet a colectivos menos familiarizados con las nuevas tecnologías y en situación de riesgo de exclusión tecnológica.
Pero, a pesar de estas y otras muchas iniciativas para disponer de este espacio, los estudios siguen revelando sobre todo en España, una gran distancia porcentual en el uso de Internet entre mujeres y hombres.
La tendencia masculina de los contenidos, es otro hecho que está siendo sometido a análisis. Internet también comienza a ser un espacio en el que no se nombra en femenino. No es raro apreciar un vocabulario sexista en un gran número de páginas que aparecen en la red o, al menos, silenciador del género femenino. La mayoría de las plataformas o sub-plataformas, tienen varias secciones en las que no falta la denominada “mujer”. Curiosamente esta sección engloba consejos y contenidos de belleza, cocina, consultas médicas y psicológicas, direcciones de interés... ¿de interés para quien?
Si permitimos la relación de estos contenidos con las mujeres, estaremos reproduciendo nuevamente, el mismo sistema patriarcal que nos ha esclavizado durante años. No existe ninguna página que contenga una sección llamada “hombres” en la que se indique cómo tienen que cocinar, cómo ponerse más guapos, cómo criar a nuestros hij@s y además ofreciéndoles apoyo psicológico para problemas cotidianos... para guiar a desorientados.
Abriremos dos líneas para el debate. En primer lugar destacar el hecho de que la formación para el uso o acceso a Internet se haga desde una perspectiva de género. Si el incremento del uso de las nuevas tecnologías supone un aprendizaje para navegar a través de páginas sexistas, comerciales, carentes de contenidos de calidad y de criterio, lo que estaremos haciendo es crear nuev@s consumidor@s, convirtiendo la red en un nuevo medio para la manipulación sexista. Se trata de construir un espacio para co-educar a los más jóvenes, para co-reeducar a los mayores, sin fomentar ningún tipo de discriminación. La formación debe ir encaminada al uso de Internet como herramienta de libertad individual, descartando información sin interés y aprendiendo a crear contextos nuevos. Internet no debe convertirse en un nuevo mercado para captar client@s, únicamente para consumir lo que tenemos en papel, en video o Dvd. El uso de las nuevas tecnologías debe entenderse como una oportunidad para la creatividad, la difusión, las relaciones sociales. Es un modo de comunicación en el que debemos aprender cómo utilizarlo en nuestro beneficio, con criterio y conociendo los límites de la red. A todos y todas nos compete dar más visibilidad a la mujer en Internet.
La otra línea de debate gira en torno a la idea del tiempo. Hoy en día uno de los factores claves en la vida de las mujeres, sobre todo aquellas que se encuentran entre los 25 y 45 años, es el tiempo. Es un elemento deseado y escaso. Las mujeres son expertas en la administración del mismo. Gracias a Internet el tiempo lo podemos aprovechar al máximo. Muchas gestiones que requieren desplazamientos y pérdida considerable de tiempo se pueden realizar rápidamente a través de Internet. Algunos ayuntamientos han conseguido reducir el número de jornadas laborales de los usuari@s que han hecho sus gestiones a través de la red. Hecho muy positivo tanto para las empresas como para los trabajador@s, pero sobre todo para las mujeres.
Internet no sólo permite el ahorro de tiempo en las gestiones administrativas, también nos permite formarnos, conocer experiencias de otras personas, participar en espacios, compartir información, sentimientos y dudas. Nos facilita participar en espacios tradicionalmente masculinos, públicos, espacios restringidos en la vida real. Podemos crear y desarrollar empresas, dedicando menos tiempo a labores burocráticas, poner de manifiesto los problemas comunes a los que nos enfrentamos, manifestarnos y alzar la voz, como se demuestra del uso de Internet, prioritariamente, como medio de difusión y denuncia en países latinoamericanos.
Nos encontramos con un medio que nos puede ayudar, sin tener que cumplir con los cánones estéticos a que nos somete la sociedad, a formarnos como personas. Gracias a las nuevas tecnologías resulta más fácil realizar cursos específicos, aprender idiomas, estudiar una carrera en cualquier país, trabajar desde casa, comprar y hacer todo aquello que nuestro tiempo no nos permite y nuestra imaginación sea capaz de generar.
Es y será una oportunidad para las mujeres rurales, para las del llamado “tercer mundo”, mujeres discapacitadas, inmigrantes, sin prejuicios de genero, raza, religión o tendencia sexual, para todos y todas si se utiliza con lógica y criterio, trabajando junt@s.
Esto no significa que las mujeres deban “encerrarse” en casa para formarse o trabajar. Significa que tenemos una herramienta que nos facilita el trabajo y que puede ser un mecanismo más para conciliar vida familiar, laboral y personal. Herramienta que debe ser compartida por hombres y mujeres.
Debemos estar dispuest@s a involucrarnos y participar en la creación y transmisión en igualdad, en educar en el buen uso de las nuevas tecnologías a los jóvenes, eliminar barreras de cualquier tipo, comprometernos a suprimir la brecha digital y, sobre todo, a no generar otras nuevas. Un espacio donde las palabras, imágenes, colores, estética y contenidos, no lleven implícito una diferenciación sexual discriminatoria, y donde la accesibilidad sea real para todos y todas.
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Elena Garea Casau
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Datos a partir del 03.03.2004. Artículo en el OCS desde el 07/07/2005
A estas alturas son muchas las personas que ven en Internet un espacio social, en el cual se puede, y se debe, socializar a l@s usuari@s. Sin duda las nuevas tecnologías son susceptibles de control por parte de gobiernos, empresas, corporaciones, élites y demás, dado el gran impacto que tienen. Es un espacio a conquistar por much@s y sobre todo por los colectivos silenciad@s en la sociedad actual.
El control implica poder y hay que tener en cuenta que en Internet las dimensiones espacio-temporales nos permiten una accesibilidad impropia de otras formas de comunicación. Se diluyen muchas de las barreras existentes en el mundo “físico” debido, en gran medida al anonimato del medio y a la organización horizontal que elimina cualquier forma de estratificación vertical. Esto explica el sorprendente crecimiento de usuarios, en un espacio en el que cualquiera puede controlar y/o manipular o, ser potencialmente controlado y/o manipulado.
Es lógico que en este contexto lleno de oportunidades, las mujeres vean en este medio un espacio para conquistar y compartir, dónde tal vez no exista, todavía, un “techo de cristal”. Sin embargo, analizando los contenidos que se ofrecen en la red, se puede apreciar que siguen, en su mayoría, respondiendo a los roles socialmente impuestos, dirigidos y con protagonismo masculino, espacios en los que poco a poco las mujeres se abren paso, cada vez con más presencia, y en parcelas tradicionalmente restringidas.
Internet puede ser un lugar y una oportunidad para co-educar, para compartir, para construir bajo valores de igualdad, respeto y tolerancia. Un espacio en el que debemos intervenir para crear, aprender y transmitir valores en un medio “casi virgen”, pero... ¿cómo hacerlo?
Son muchas las personas que se han lanzado en esta difícil labor. El gobierno español inició a finales del pasado año, una campaña para impulsar el uso de Internet por parte de mujeres, ancianos e inmigrantes. Una cuestión aparte será el análisis de la metodología empleada, resultados y conclusiones.
Algunas organizaciones, sobre todo feministas, han hecho de Internet su espacio de difusión, de contacto, de socialización. Es importante destacar el esfuerzo realizado para impulsar acciones de formación y acercamiento de Internet a colectivos menos familiarizados con las nuevas tecnologías y en situación de riesgo de exclusión tecnológica.
Pero, a pesar de estas y otras muchas iniciativas para disponer de este espacio, los estudios siguen revelando sobre todo en España, una gran distancia porcentual en el uso de Internet entre mujeres y hombres.
La tendencia masculina de los contenidos, es otro hecho que está siendo sometido a análisis. Internet también comienza a ser un espacio en el que no se nombra en femenino. No es raro apreciar un vocabulario sexista en un gran número de páginas que aparecen en la red o, al menos, silenciador del género femenino. La mayoría de las plataformas o sub-plataformas, tienen varias secciones en las que no falta la denominada “mujer”. Curiosamente esta sección engloba consejos y contenidos de belleza, cocina, consultas médicas y psicológicas, direcciones de interés... ¿de interés para quien?
Si permitimos la relación de estos contenidos con las mujeres, estaremos reproduciendo nuevamente, el mismo sistema patriarcal que nos ha esclavizado durante años. No existe ninguna página que contenga una sección llamada “hombres” en la que se indique cómo tienen que cocinar, cómo ponerse más guapos, cómo criar a nuestros hij@s y además ofreciéndoles apoyo psicológico para problemas cotidianos... para guiar a desorientados.
Abriremos dos líneas para el debate. En primer lugar destacar el hecho de que la formación para el uso o acceso a Internet se haga desde una perspectiva de género. Si el incremento del uso de las nuevas tecnologías supone un aprendizaje para navegar a través de páginas sexistas, comerciales, carentes de contenidos de calidad y de criterio, lo que estaremos haciendo es crear nuev@s consumidor@s, convirtiendo la red en un nuevo medio para la manipulación sexista. Se trata de construir un espacio para co-educar a los más jóvenes, para co-reeducar a los mayores, sin fomentar ningún tipo de discriminación. La formación debe ir encaminada al uso de Internet como herramienta de libertad individual, descartando información sin interés y aprendiendo a crear contextos nuevos. Internet no debe convertirse en un nuevo mercado para captar client@s, únicamente para consumir lo que tenemos en papel, en video o Dvd. El uso de las nuevas tecnologías debe entenderse como una oportunidad para la creatividad, la difusión, las relaciones sociales. Es un modo de comunicación en el que debemos aprender cómo utilizarlo en nuestro beneficio, con criterio y conociendo los límites de la red. A todos y todas nos compete dar más visibilidad a la mujer en Internet.
La otra línea de debate gira en torno a la idea del tiempo. Hoy en día uno de los factores claves en la vida de las mujeres, sobre todo aquellas que se encuentran entre los 25 y 45 años, es el tiempo. Es un elemento deseado y escaso. Las mujeres son expertas en la administración del mismo. Gracias a Internet el tiempo lo podemos aprovechar al máximo. Muchas gestiones que requieren desplazamientos y pérdida considerable de tiempo se pueden realizar rápidamente a través de Internet. Algunos ayuntamientos han conseguido reducir el número de jornadas laborales de los usuari@s que han hecho sus gestiones a través de la red. Hecho muy positivo tanto para las empresas como para los trabajador@s, pero sobre todo para las mujeres.
Internet no sólo permite el ahorro de tiempo en las gestiones administrativas, también nos permite formarnos, conocer experiencias de otras personas, participar en espacios, compartir información, sentimientos y dudas. Nos facilita participar en espacios tradicionalmente masculinos, públicos, espacios restringidos en la vida real. Podemos crear y desarrollar empresas, dedicando menos tiempo a labores burocráticas, poner de manifiesto los problemas comunes a los que nos enfrentamos, manifestarnos y alzar la voz, como se demuestra del uso de Internet, prioritariamente, como medio de difusión y denuncia en países latinoamericanos.
Nos encontramos con un medio que nos puede ayudar, sin tener que cumplir con los cánones estéticos a que nos somete la sociedad, a formarnos como personas. Gracias a las nuevas tecnologías resulta más fácil realizar cursos específicos, aprender idiomas, estudiar una carrera en cualquier país, trabajar desde casa, comprar y hacer todo aquello que nuestro tiempo no nos permite y nuestra imaginación sea capaz de generar.
Es y será una oportunidad para las mujeres rurales, para las del llamado “tercer mundo”, mujeres discapacitadas, inmigrantes, sin prejuicios de genero, raza, religión o tendencia sexual, para todos y todas si se utiliza con lógica y criterio, trabajando junt@s.
Esto no significa que las mujeres deban “encerrarse” en casa para formarse o trabajar. Significa que tenemos una herramienta que nos facilita el trabajo y que puede ser un mecanismo más para conciliar vida familiar, laboral y personal. Herramienta que debe ser compartida por hombres y mujeres.
Debemos estar dispuest@s a involucrarnos y participar en la creación y transmisión en igualdad, en educar en el buen uso de las nuevas tecnologías a los jóvenes, eliminar barreras de cualquier tipo, comprometernos a suprimir la brecha digital y, sobre todo, a no generar otras nuevas. Un espacio donde las palabras, imágenes, colores, estética y contenidos, no lleven implícito una diferenciación sexual discriminatoria, y donde la accesibilidad sea real para todos y todas.
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